Der Korrepetitor

オペラ指揮者&コレペティトア・宮嶋秀郎がコレペティについて語るブログ

コレペティトアになる為の訓練

いかにしてコレペティトアになるのか。その訓練方法を具体的に書いていく。まずは練習等を始める前に、コレペティトアとはピアニストではなくピアノを弾くことが目的ではないということを分かって取りかかるべきである。そうでないと間もなくつまずいたり納得いかなかったりする。自分はオーストリア国立グラーツ芸術大学のオーケストラ指揮科・コレペティツィオン科の出身であるが、我がコレペティの師匠D教授は当時面白い表現をされていた。というのも、日本でコレペティの勉強をする友達がグラーツに遊びに来て自分のコレペティレッスンを聴講に来た時、その友達はD教授にインタビューをした。その時が以下の通り。


Q:日本にはコレペティというジャンルがまだまだ浸透してないが、実際には興味を持って勉強したい者も少なからずいる。ゆえに教育機関もなく指導者もほとんどいない状態で、勉強できない者もすでに少なからずいる。まずこの日本にコレペティがないという現状をどう思いますか?またそんな日本がどうあるべきとお考えですか?


A:まずは日本にコレペティが浸透してないことを非常に残念に思う。今日世界中に沢山の優秀なピアニストがいて、日本にも優秀なピアニストが多いことは存じている。しかしコレペティとはピアノを弾くことが大事なのではない。大事なのは、音楽的サポートであったり、練習の段階でのディクションやブレスなど実践的なアドヴァイスであったりで、それらはオペラを演奏し音楽を作っていく上での最重要要素。是非その辺を分かって多くの方々に学び実践して頂きたいと思う。


自分はこのD教授について4年間コレペティを学んだ。数本のオペラを通してオペラという音楽を学ぶことはもちろん、音楽全般、指揮者&コレペティトアとして必要なこと、さらには音楽家として人として生きていくことなど、本当に多くのことを教わった。そして上記のインタビューだが、その中でもコレペティとは何か、コレペティトアとはどうあるべきか、ということに関しての師匠の考えや思いが見事に凝縮された発言である。細かく説明すると色々長くなるが、要はまとめるとそういうことである。


というわけで、コレペティをするということについて具体的に書いていく。まず劇場である演目を行うとする。まずコレペティ稽古から始まり音楽を作り上げていく。仕上がった段階で舞台稽古。その後オーケストラが入りゲネプロを経てプレミエ(公演初日)となる。その後その演目で何公演かをシーズン中に行っていく。で、コレペティトアの仕事は主にこの最初の段階にある。もちろん舞台稽古に入ってからも練習で伴奏はするし、舞台稽古~ゲネプロの合間に必要があれば個人的もしくはセクションごとに個別にコレペティ稽古を追加対応することもあるであろう。が、基本的にはまず最初に舞台稽古に入るまでの音楽練習期間がメインと言えよう。一番最初だが、当然歌手も自分なりに準備してくるであろう。しかしそれにはやはり個人差もあり、また近現代の読譜自体が難しい作品や歌手が慣れない言語での歌唱の場合など、コレペティトアが対応することになる。そして、本番を振る指揮者のテンポや解釈を歌手に伝えながら音楽を作っていくのである。


これが劇場でのコレペティトアの業務となる。ここから分かるのが、まずコレペティトアがすべきこと。そこから当然それらをやるためにどういう訓練が必要になるかということを考えることができる。さすがにここまで来ると、ピアノを弾くことが大事ではなくて…の意味が充分お分かり頂けるであろう。舞台で演奏するわけではなく舞台裏で歌手にこのような対応をするトレーナやコーチなわけで、当然大事なことが何かは必然的に見えて来るであろう。ではその為に何を勉強すべきか?参考までに、自分が在籍していた頃のグラーツ芸大コレペティツィオン科のとあるゼメスターの科目を書き上げてみる。


― コレペティツィオン実技レッスン
― 指揮実技レッスン
― ピアノ実技レッスン
― チェンバロ実技レッスン
― スコアリーディング
― 副科声楽
― 副科弦楽器
― 合唱
― ソルフェージュ
― 音楽史
― イタリア語
― フランス語
― 劇場契約システム
― 古楽通奏低音実習


このような感じであった。1週間でこれだけ、これを半年間続ける。これは基本指揮科とほぼ同じ。グラーツ指揮科は指揮科の中で3つに分かれていて、オーケストラ指揮科、合唱指揮科、コレペティツィオン科となっている。自分はここでオーケストラ指揮科とコレペティツィオン科を同時専攻していた。オーケストラ指揮科とコレペティツィオン科の違いは、まずコレペティ実技レッスンは時間数が倍になる。オーケストラ指揮科が週1時間のところ週2時間になる。当然課題数も桁違いに増える。チェンバロ実技レッスンはコレペティツィオン科のみの科目である。これはチェンバロでの弾きぶりやレチタティーヴォセッコなどに対応するための基礎というわけである。語学は指揮科は全員イタリア語必須となるが、コレペティツィオン科だけがフランス語がプラスされる。ちなみにグラーツ芸大でフランス語を受けるのは声楽科とコレペティツィオン科だけである。その他の科は希望したら取れるのかもしれないが、少なくとも自分は自分以外に声楽科しか見なかった。その他の科目は全指揮科共通であった。


この中で、とりあえずコレペティツィオン実技レッスンにだけ触れる。このレッスンは個人レッスンで、基本永遠オペラヴォーカルスコアの弾き語りをする。どのオペラを課題にするかはその都度教授と話して決める。その中で教授は音楽的視点からそのオペラを指導すると同時に、ここでこういうブレスが必要だとか、ここはオーケストラが難しく歌手と合わせにくいから…と言った具合に、実践的指導がある。そしてディクションについてのアドヴァイスもある。後はピアノの弾き方だ。これがある意味一番特徴的かもしれない。何度も言うようだが、ピアノを弾くこと、すなわちピアノをうまく弾くことが求められるわけではない。大事なのは、歌手に稽古をつけ意味で必要な準備である。ここで言うピアノの弾き方は、どこを意識するか(テンポ&リズム)、その音を弾いてどの音を抜くかである。前者は歌手の為に非常に大事である。経験のある方ならお分かりかと思うが、練習開始段階の場合ほとんどの歌手がテンポやリズムに苦しむ傾向にある。ゆえに、例えば、左手を意識して強目&はっきり目に弾くとか、右手の装飾的なものをあえて省いて音程&テンポ&リズムを覚えるのに集中しやすくするとか、あるいは単純に右手は旋律を弾くなどがある。それから後者の音の抜く抜かないだが、これはオペラヴォーカルスコアを弾く上でものすごく重要であるが、ピアノ科出身の方が一番対応できない部分でもある。まずこれが大事な理由は、オペラヴォーカルスコアはオーケストラを無理やりピアノ譜にしている為よく演奏困難で、時には演奏不能にさえなる。それらを弾くだけでも大変な中、前述の歌手の為の弾き方をせねばならない。となると、簡単なところはともかく、抜けるところは抜いてという対応は必要不可欠である。ここで優秀なピアニストは「自分は弾ける、自信ある」と言って無理して弾いてしまうことが多い。しかしそれで無理して全部の音を拾った結果、確かに弾けてはいるがテンポが重くなって歌手の稽古どころではなく逆に歌いにくくなってしまうことがほとんどである。この場合、音を抜くことは大事なことであり、決してピアニストとしての恥でも何でもない。むしろその対応ができる者こそが真のコレペティトアであり、真の音楽家である。なぜなら、我々すべての音楽家共通の最大の目的は”音楽をする”ということである!そのためにコレペティトアとしてすべきことの一つがこれである。ちなみに、教授の考えた弾き方で「そう来たか!」、「そういう方法があったのか!」といった具合におもしろいこともよくあった!


まずはコレペティツィオンのレッスンの基本スタイルについて触れた。次回からさらに具体的にコレペティトアの訓練について書いていきたいと思う。