Der Korrepetitor

オペラ指揮者&コレペティトア・宮嶋秀郎がコレペティについて語るブログ

声楽の間違った勉強の仕方

先日学友の声楽レッスンの伴奏に行った。約2時間弾いたが、元々声楽をやっていて、また学生時代から声楽の伴奏を数多くこなしていたため、久しぶりに何となく懐かしい慣れた空間だった。そんな中、久しぶりにおもしろかったことがあった反面、どうしようもない現実を再確認した時間でもあった。


日本の声楽教育では当たり前のように普通のことだが、ものすごく間違った違和感のあることが2つある。それは、まず楽譜に歌詞の意味(対訳)を日本語で書き込むこと。それとその歌詞を日本語で朗読させるということである。


まず楽譜に日本語を書き込むこと。これは我々オペラ振りからすると、頼むからやめてくれということである。なぜなら、そうしてる時点で最後まで日本語の枠から離れられない、すなわち西洋音楽であるオペラになりえないと言ことである。もちろん日本人歌手はその言葉がある程度話せない限りまずは日本語意味を理解するしかないのだが、それは勉強を始めた最初期に段階、もしくはその曲に取り組む最初の段階であり、レッスンぐらいの段階以降ではすでに離れている過ぎ去っているレベルである。目的地の最寄り駅も分かってないのに家出て電車に乗らない、それと同じで内容分かってないのにその曲をレッスンとは言え人前で歌えないというわけである。要するに、レッスン時や練習時に日本語の書いた楽譜があるということは、未だに素人レベルでやってるということであり、オペラ振りからすると全く信頼できない学生以下レベルということになる。歌詞を日本語で勉強する、最初は仕方ないにしても、せめて別の紙に書くリブレットを利用するして、楽譜には日本語を一切書かずにいるべきである。そうでないと高いレベルには当然行けない。日本の声楽の先生は未だに弟子に楽譜を入試下後まずすぎに日本語を書かせる。これをすぐにでもやめないと日本の声楽家に未来はない。


それから、日本語で歌詞を朗読することである。まず歌詞を朗読するということ、自分の経験上日本でしか見たことがない。ヨーロッパの声楽家には歌詞を読む訓練の授業があるが、それは舞台で使える正しい言葉や発音の為の基礎訓練であり、日本で言う朗読ではない。日本語で朗読するといいうことは、前記とかぶる部分もあるが、まず日本語の枠にはまってしまうということ、解釈、考え方、伝え方等が全て日本語の感覚のままとなってしまう。その感覚そのものを原語に切り替えることが大事なのに、このやり方では無理やり日本語芝居を取って付けたに過ぎないわけである。現地人は普段話している言葉そのものとおう利点はあるが、そもそも変に取って付けたように作るという風にはしない。むしろいかに自然にやるかを大事にする。この歌詞を朗読すると言うのは日本独特であろう。


というわけで、未だ変わらぬ日本の声楽教育の問題点であった。これが全てではなくまだ色々あると思うが、とりあえず代表例の2つと思って頂きたい。これからどうなっていくのであろうか…。


コレペティトアになる為の独学訓練

ヨーロッパにはコレペティ科のある音大がいくつも存在するが、日本には残念ながら存在しない。またヨーロッパの指揮科では必ずコレペティのレッスンが必須であるが、日本の指揮科にはない。要するに、教育機関もなければ、指導者もほぼいないに等しい。仮にうまく訓練してプロとしてやっていける実力がついたところで、劇場がなにので就職不能。今のところ個人レベルでしかできない状況である。それはされおき、結局のところ今の日本では、留学しない限り基本的に独学で学ぶしかコレペティトアになる道はないと言えよう。では独学でやる場合どうしたらいいのか。これが難しい問題である。なぜなら情報がなく、道しるべ的存在がよほど運よくない限り見つからないので、歌手らからの声を素直に聞き入れ自分で消化するしかない。かなり時間がかかる。もちろんコレペティ科に行っても時間がかかるわけだが、日本の場合はまた歌手もコレペティトアという人種をあまり知らないので、全てにおいてなかなか手間がかかるというわけである。ズバリ言うならば、コレペティ科でやってること、あるいは指揮科でやってることを真似して勉強すればいいわけだが、やはり独りでやるとなると難しい。漠然と、これとこれを…と思っても実際のところどうやっていいのかいまいちわかりにくい。というわけで、一例ではあるが、コレペティトアになりたくて独学でやる場合の方法を書いてみる。


まずは現場に出る前にやること
‐ オペラのヴォーカルスコアの弾き語り(やり方は下記参照)
‐ ディクション/独・伊・仏語(オペラのテキストの解読と発音)
‐ 声楽(可能な範囲で声楽の発声から楽曲の解釈まで理解につとめる)
‐ スコアリーディング(簡単な曲から出いいから可能な限り慣れる)
‐ 指揮(振れるに越したことないが、可能な限り専門的知識と理解につとめ)


現場へ
‐ オペラの現場での伴奏(日本の場合主にこれが多い)
‐ 歌手のコレペティ(個人的に歌手の練習に付き合う)


大体こんな感じかと思う。それぞれに説明を加えると次の通り。


オペラヴォーカルスコアの弾き語り、これが結局一番大事で基本となる。単にピアノ弾くだけでは意味がなく、歌詞が入って初めてコレペティになる。結局のところコレペティの訓練をは永遠これになる。


ディクションは上記の3ヶ国語がオペラの場合基本となる。まずはそれぞれの発音を確実に知り、基礎会話ぐらいは知っておくべき。とりあえず最低限度これをクリアできたなら、どんどん色々なオペラへ。前記の弾き語りで取り上げる演目のテキストをひたすら読み、知り、正確な発音を確認すること。これらがコレペティの実践に直結する。余裕と興味があれば、この3ヶ国語以外も挑戦した方がさらにいい。例えば、チェコ語やロシア語など。日本語の場合は基本やらなくても言葉ぐらいは分かるわけでが、正確な標準語を確認しておく必要があるし、方言で書かれてる歌詞をその方言も確認せねばならない。


声楽は一番理想は個人レッスンに通い、できれば門下発表会ぐらいで歌えるレベルになれば最高。あるいはオペラや声楽曲の合唱団に参加してみる。こうした声楽の専門的な実践がコレペティやオペラ指揮にものすごく役立つのである。ちなみにこの経験のあるコレペティトアも指揮者も世の中ほとんどいないので、あれば物凄い武器になる。しかしほとんどの指揮者&コレペティトアがこの経験も知識もない分、村八分になることもよくある。でも純粋に高いレベルを求めるならば、やっただけいいものであることは言うまでもない。


指揮は仮に実際に振ることがなくても、できるだけ訓練をしておいた方がいい。実際問題指揮者とコレペティトアの違いは、物理的に棒振るか鍵盤弾くかだけで、やってることは同じである。振りながらやるか、弾きながらやるか、要するにどっちから学んでも到達点は同じとも言える。理想は指揮もコレペティも両方できることだが、とりあえずコレペティだけやりたい方は、機会があればレッスンや講習会に行くのもいいし、できるだけその知識とノウハウを身に着けること。そして指揮者の練習のやり方はコレペティにそのまま使えるので大いに学ぶべきである。


現場へ行ってからだが、上記の通りオペラの現場と個人コレペティの両方が主な実践の場となる。特にオペラの現場で伴奏すること、これは日本のオペラでピアノを弾く仕事のほとんどである。正確にはこれはコレペティではなくて練習ピアノだが、コレペティトアがやれば尚いいわけであるし、日本でオペラの仕事をするのであればいずれにせよ今のところこれがメインである。この場合、指揮者が振って練習を進めるが、指揮の勉強をしておけばここで即使えるし困らないわけである。ピアノ科出身の人でこの指揮に合わせて弾くことができない人が世の中実に多い。それが理由で練習が進まない、酷い場合中断や崩壊になる。ゆえに、オペラの現場で弾く場合、最低限度指揮者に合わせる為指揮についての基礎は習得するべきである。


個人コレペティの場合、形式や雰囲気は極めて声楽の個人レッスンに近い。しかし声楽の技術的なことではなく専ら音楽的なことの指示がメインになる。もちろん声楽の専門的なことも言えれば尚いいし歌手からの信頼も得られるであろう。しかし気をつけるべきは、声楽の場合発声の指導に関しては非常にデリケートで、多くの声楽の先生が自分の教えたことを別の要素を入れられると嫌がられることが多く、当然歌手本人もそれをかなり気にしている。ゆえに発生的な指示を歌手に出す場合は、差しさわりなく客観的でポイントを押さえたうまい言い方をしなければいけない。これはものすごく難しいことでもあるが、これを究めようとするならば、上記のように声楽の専門的知識と経験がある程度必要になって来る。音大声楽家卒ぐらいのレベルである程度しっかり学んだ者は大体このレベルにいけるだろうが、まあそんな指揮者やコレペティトアは世界中探してもほとんどいない。それだけに、個人的には勧めたいわけである。


このよう訓練し実践につなげていければいいわけだが、書き出せばこんな感じだが、ヴォーカルスコアの弾き語りを中心にこれらはものすごく手間暇かけた気に遠くなる作業である。数年でやりこなせられるものではない。もちろんこれら全てを訓練ととらえた場合、まずある程度慣れるまでは最初に書いた訓練をやり、慣れてきたら少しずつ簡単な負担にならない範囲から現場へ出てみるのがいいし、そうやって練習と実践を繰り返していくことが大事である。そんな中で何をどうやればいいのか、難しい問題が色々出て来ると思う。これから独学でコレペティを学びたい方は是非このやり方を参考にして頂きたいと思うし、質問等があれば是非ご連絡下さい!お答えします。



理想の指揮&コレペティ教育

自分は指揮科&コレペティ科に学んだ。そしてその前には声楽科にも学んだ。それでオペラの現場で下積みをし経験を積んで来た、典型的なオペラ指揮者&コレペティトアである。ヨーロッパの伝統的に近く、傍から見ると、特に声楽家から見ると、理想的なタイプの指揮者&コレペティトアかもしれない。しかし現実はむごいことに違う。指揮者&コレペティトアを採用する指揮者らはこのタイプを理想としない。むしろ否定する。なぜか指揮者側の者が声楽の専門的要素を持っていれば持っているほどダメとされる。仮にされなくても、その部分には全く興味を示さずプラスポイントになることはまずない。声楽家からしたら謎な話であろう。なぜなら多くの声楽家は少しでも声楽を専門的に分かった、言わば声楽家の都合や気持ちが分かる指揮者&コレペティトアをどこかで常に求めている。ではなぜそういったタイプが否定されのか?正直自分には分からないが、どうもこの世界を見ていると2~3あるようである。まずは指揮者&コレペティトアを志す者は声楽を知らなさすぎるということである。興味を持たない、勉強しない、勉強する機会がない、などであろう。それから、指揮者を目指す者は基本的に器楽的、理論的、技術的タイプが傾向としてかなり多い。そしてよく言えば妙な正義感?、悪く言えば単に頭が固いだけだが、やたら皆をメトロノーム的にきっちりはめこむことが何より大事と考える=行う者が非常に多いことである。となると、残念ながらソルフェージュ力に欠ける声楽家の要素を持った者は指揮者に不適格となるわけである。


これは残念ながら現実である。オペラの下積みがない=オペラを知らないコンクール指揮者がいきなり劇場指揮者になる今の時代、この傾向はさらに強まっている。しかし、本来それでいいわけはない。色々な理由から時代の流れはこうだが、純粋にいいオペラを、高いレベルのオペラを求めるのであれば、それが全然ダメなことは言うまでもない。なぜそういった問題が生まれるのか、それは世の中の傾向であるが、同時にその傾向に比例して指揮者&コレペティトアの教育に問題があることは言うまでもない。というわけで、個人的な考えだが、もしこういうカリキュラムの教育機関があればいいのにと思う一例を書いてみる。現状、こういうものは存在しないどころか多くの指揮者から反感を買うであろうが、しかし指揮者以外からは恐らく喜ばれるのではと思う。なぜなら、明らかにオペラの現場において必要な要素であり、本当は一番出て来て欲しい人材を育成できる可能性の極めて高いものだからである。以下をどうぞ↓


理想の指揮科の一例


就学年数:6年


専門実技
レッスン:指揮Ⅰ~Ⅵ、コレペティツィオンⅠ~Ⅵ、ピアノⅠ~Ⅵ、声楽Ⅰ~Ⅵ
実習:オペラ指揮Ⅰ~Ⅵ、オーケストラ指揮Ⅰ~Ⅵ、オペラプロジェクトⅠ~Ⅵ


副科実技
弦楽器Ⅰ~Ⅲ


必須科目
スコアリーディングⅠ~Ⅵ、ソルフェージュⅠ~Ⅲ、音楽理論Ⅰ~Ⅲ、音楽史Ⅰ~Ⅲ、
古楽Ⅰ~Ⅲ、現代音楽Ⅰ~Ⅲ、ドイツ語Ⅰ~Ⅵ、イタリア語Ⅰ~Ⅵ、
フランスⅠ~Ⅵ語、英語Ⅰ~Ⅵ、合唱Ⅰ~Ⅲ、音楽マネジメントⅠ~Ⅲ、伴奏Ⅰ~Ⅲ


選択科目
管楽器、打楽器、音楽療法、作曲・編曲、他



ざっと書いてみたが、例えばこんな感じである。もちろんあくまで一例ではあるが、例えばこのようにカリキュラムが組まれれば、理想的な指揮者&コレペティトアが育成される可能性がいくらか上がるのではないかと思う。年数が長く、その中でこれだけの内容をこなすとなると、日本の音大生目線ではとんでもないレベルの話になる。ヨーロッパの音大生目線からすると、まあなるほどといった感じかもしれないが、しかし現在ある指揮科よりかはいくらか濃く、指揮にみならずオペラをやるための基礎が徹底的に組み込まれている。近頃の指揮志望の若者の傾向からすると、さすがにここまでくると面倒くさがってやる気がなくなるであろう。それに、このカリキュラムをこなせばある程度実力はつきそうとは誰でも思うかもしれないが、コンクール対応型ではまったくいので、コンクール指揮者はむしろこれを反対するであろう。例えば、ここまでオペラをやる必要を感じなかったり、声楽を専門実技としてやったり等。前述のことでもあるが、自分の経験上、純粋にいいオペラ指揮をしようと思ったら、世の中の多くの指揮者は否定するだろうが、やはり少しでも声楽の専門的知識や経験があるに越したことはない。否定される理由の一つに、例えばテンポ感がある。現在の指揮者はメトロノーム的になってきている。悪い意味でシンフォニックでありコンクール型であるからである。そういう者は当然歌手にもその正確なテンポ感を求めるわけだが、しかしこれに無理がある。気持ちは分かるが、声楽家のテンポ感とは、生きる人間の鼓動そのものであり、極めて人間的で自然なものである。もちろん最低レベルのソルフェージュ力にない者は論外であるが、声楽家である程度のソルフェージュレベルに達した者は、それが人間に一番自然にはまるテンポ感ということになる。メトロノームは機械であり、強引に言えば、それは正確にするために我々は少し無理をしているとも言える。ゆえに一番自然なテンポ感は感動的な音楽に直結するわけで、声楽の専門的な要素をいい意味で持っている指揮者はそれを音楽で実践できるわけである。ただ機械的にはめ込んだテンポ感ではなく。例えば、往年の名指揮者の録音でも分かることだが、そういった演奏程機械的ではなく深くうねるように動いたテンポや流れを聴くことができる。その素晴らしい演奏には機械的はない。時代が違うと言う人もいるかもしれないが、それは単なる言い訳である。いい音楽はいつの時代も変わらない。


話を戻すと、今の時代の指揮者&コレペティトアのほとんどは、シンフォニック、コンクール型(下積みのない指揮者)、声楽的要素の欠如など、色々な問題がある。今も増え続けており、このままだと危ないわけである。前述のカリミュラムのように、今一度本物を求める指揮&コレペティ教育ができればと思う。